Largometraje Mexicano FICM 2016 (II)

La región salvaje (2016) -reseña aquí– de Amat Escalante y Tenemos la carne (2016) de Emiliano Rocha Minter, son las dos películas que más expectativa y polémica despertaron en la Selección de Largometraje Mexicano en el FICM 2016. La película de Amat triunfó en Venecia y le mereció el premio a Mejor Director. Por su parte, Tenemos la carne obtuvo un tipo de premio no oficial que sus realizadores y equipo parecen portar con gran orgullo: conseguir el récord absoluto de huidas de sala en Sitges – como lo menciona una crónica publicada en El País-.

Tenemos la carne

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El reconocimiento y la actitud del equipo – actor y protagonista se bajaron los pantalones en la alfombra roja de la película- no es el tema central de una reseña o no debería de serlo, pero en esta ocasión sirve para comprobar ciertas opiniones que desata la ópera prima de Rocha Minter. La provocación por la provocación o en pro de la provocación, así se puede definir una película que aspira a temas más complejos, los cuales en la práctica se nublan por el deseo de incomodar.

Tenemos la carne está contenida en una construcción de la Ciudad de México. Las habitaciones bien podrían ser el hogar del apocalipsis. En este universo encapsulado habita Mariano (Noé Hernández). Mariano es un alquimista que se regodea en la locura y genera un complejo hábitat. A este universo se introducen dos jóvenes –hermano y hermana- que vagan por la ciudad hasta llegar al epicentro del fin del mundo-.

Mariano los cobija bajo su “tutorado” y los emplea en la creación de un escenario en el que el sexo y la depravación reinarán. Rocha Minter explora en el lado más oscuro de la sexualidad humana y guía a sus personajes por un vórtice que desafiará al espectador menos acostumbrado al gore y la violencia explícita. Este universo creado está respaldado por una gran fotografía y una manufactura técnica que habla de una nueva generación que no le teme a la inventiva de mundos irreales y distópicos.

La película explota a partir del incesto cometido entre los dos hermanos y de ahí continúa una exploración que desafía a la religión, las instituciones nacionales y la violencia. A partir de esta idea la película no propone más que una experiencia sensorial aderezada con imágenes que se convierten en una orgía de sangre y sexo explícito. Si en la película no hay una idea o una interpretación definitiva, su director habría podido optar por una instalación en vivo o un vídeo experimental, porque en los terrenos de la narrativa no termina de plantear una idea y apuesta más por dejar que el espectador saque sus propias conclusiones. Y no es que esto sea algo malo ni que el cine deba de ser plano y con herramientas de lectura digeribles, pero lo que crea Minter no va más allá de una sucesión de imágenes que apuestan por hacer explotar la cabeza del espectador.

Zeus

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Zeus (2016) es la ópera prima de Miguel Calderón, una ficción que sigue los pasos de Joel (interpretado por el escritor Daniel Saldaña París), un treintañero que vive con Luisa (Ana Terán), su madre. Joel tiene una afición descontrolada por el adiestramiento de halcones. Pasa sus días cazando con su halcón y un amigo. Las relaciones sociales no son ni de cerca el punto central de la vida de Joel.

La relación conflictiva y de dependencia de Joel y su madre es el punto de partida para crear una historia que versa sobre la obsesión del ser humano y el proceso tortuoso que implica llevar a cabo los deseos personales. La película es un acercamiento que contempla la fragilidad y crea situaciones límite donde sólo el más cuerdo podrá sobrevivir.

El primer trabajo de Miguel Calderón tiene una huella incuestionable de trabajo literario y desarrollo de personajes. El apoyo incondicional, como lo etiqueta el propio director, de Guillermo Fadanelli sale a relucir. Saldaña París debuta en la actuación con un personaje nefasto que tiene cuerpo de adulto pero ímpetu de niño mientras que Ana Terán representa el papel de una madre que explora el terreno de la relación madre-hijo con una historia ácida de fondo.

Pacífico

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El trabajo de Fernanda Romandía podría haber sido un documental o instalación para un museo, pero la directora se decidió por crear una ficción alrededor de una construcción arquitectónica que se desarrolla en una comunidad de Oaxaca. La obra en cuestión es la Casa Wabi, proyecto arquitectónico del Pritzker Tadao Ando.

Romandía se acercó a los personajes más entrañables provenientes de la construcción antes mencionada. Como ella misma lo describe, el trabajo cinematográfico tiene una serie de vertientes artísticas que pretenden dialogar con el espectador. La mediación entre ficción y documental sale a relucir en este trabajo, sin embargo, el camino que toma la historia habría tenido un mejor resultado si se hubiera inscrito en un registro más amplio sobre la relación entre pobladores y el mensaje social que creó la construcción de un espacio de reflexión.

El sueño del Mara’akame

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El trabajo de Federico Ceccheti es una interpretación honesta y personal sobre la cosmovisión del pueblo wixárika. Nieri es un joven indígena cuyo sueño es viajar con su banda a tocar en un concierto en la inmensa Ciudad de México, un monstruo desconocido para el pueblo. Su padre, un Mara’akame (chamán huichol), tiene otros planes para él, pues debe seguir su tradición y encontrar al venado azul en sus sueños, para así poder aprender a sanar y convertirse en Mara’akame.

Ceccheti explora las costumbres del pueblo wixárika y las contrapone con una ficción que expone la hibridación entre las raíces de México y la modernidad. La relación padre-hijo es un viaje entrañable por las sensaciones y los sentidos de las barreras culturales. Ceccheti crea una historia pero no pretende emitir un juicio definitivo, simplemente elabora un acercamiento al imaginario de una cultura a la que el cine mexicano se acerca cada vez más.

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